Tadaaki Kuwayama (1932

産業の喧騒と永遠の静けさを同時に呼び起こすメタリックなモノクローム作品で知られる日本のミニマリスト、桑山忠明氏が死去した。 桑山さんは９１歳だった。 彼の死のニュースは、アーティストの代理人であるアリソン・ブラッドリー・プロジェクツによって発表された。 同世代の多くの日本人と同様、桑山さんも1950年代後半に米国に移住した。 抽象表現主義の黄昏とポップとミニマリズムの黎明期に到着し、ダン・フレイビン、サム・フランシス、ドナルド・ジャッド、ケンゾー・オカダ、フランク・ステラなどの友人や同時代の人々に囲まれて、彼はすぐに自分自身の名声を築き上げました。ロニー・コーエンがアートフォーラムの1989年号で書いたように、一連の作品は「構築の問題や行為の繰り返しに注意を喚起し、結果として謎に満ちた形を生み出す」ものである。

桑山忠明は、1932 年に日本の工業都市である名古屋に生まれました。東京芸術大学で日本画を学び、卒業後、1958 年に妻で画家の楽子とともにニューヨークに移住しました。内藤さん。 彼は当初アート・スチューデント・リーグに登録したが、2012年にニューヨーク・アート・ビートの藤高康介にこう語った。 そこはアマチュアやブルジョワの妻たちが通う場所で、教師たちは皆保守的でした。 だから学校にはほとんど行かなかった。 サインインして家に帰ります。」 代わりに桑山は街のアートシーンに深く関わるようになり、彼自身のユニークなスタイルの発見につながる一連の探求を始めました。 これは、モノクロのキャンバスによって具体化されていることが最もよく知られており、狭い、場合によっては交差する金属のストリップによってセグメントに分割されています。 同年、ニューヨークのリチャード・ベラミーのグリーン・ギャラリーで発表した1961年の『無題：赤と青』では、彼は長方形のキャンバスを日本画で一般的に使用される紙で包み、必死にそこから遠ざけようとしていた。 作品の上半分の赤と下半分の青を二等分しているのは、メタリックな銀箔の細い帯です。 「油絵の具を使ったことがなかったので、どのような技法が使われているのか分かりませんでした」と彼は藤高さんに説明した。 「それでも、私はすでに知っていた種類の絵には耐えられませんでした。」

翌年、桑山は三次元性の研究を開始し、和紙をちりばめて黒く塗った4×8フィートのパネルから最初の自立型床綴じ作品を構築した。 1965 年までに、彼は紙をほとんど放棄し、スプレー ペイントに移行しました。これにより、筆跡がなく、作成された形跡もない平らな表面を作成できるようになりました。 この時点では、彼の作品の大部分は正方形であり、銀箔はアルミニウムまたはクロムの帯に置き換えられており、作品を四分円、または長方形または三角形の半分に分割する可能性がありました。 頻繁に鮮やかな色合いと光沢のあるニスを塗った表面で、作品は彼の故郷を支配していた自動車製造業や航空宇宙産業で一般的な素材を参照していました。 同時に、その多彩な色、測定されたセグメント、反復的な形状が静けさの感覚を呼び起こしました。 「桑山。 。 。 限られた手段から驚くほど個人的な発言をなんとか絞り出した」とバーバラ・ローズは1967年発行のアートフォーラムで書いた。

その後数十年にわたって桑山は、ベークライト、マイラー、チタンなどの素材を使用するように作品を拡大しました。それらは彼の作品に硬さと輝きを与えましたが、その未熟な暖かさを損なうことはありませんでした。 アーティストは、特定の作品セットのプレゼンテーションの順序を決定する可能性のある、知覚される色の階層に関する懸念を含む、他のすべての懸念を排除して、純粋な色合いと形に焦点を当て続けました。 「色は互いに同等に扱われるべきだと思います」と彼は説明しました。 「重要なのは、それらはただ存在するということです。」

桑山の作品は、サンフランシスコ近代美術館を含む主要な国際機関のコレクションに所蔵されています。 インディアナポリス美術館。 オルブライト・ノックス・アート・ギャラリー、バッファロー。 ニューヨーク近代美術館とソルモン・R・グッゲンハイム美術館、どちらもニューヨーク。 Stiftung für Konstructive und Konkrete Kunst、チューリッヒ; 国立美術館、ベルリン。 シュトゥットガルト州立美術館。 広島市美術館 ; 国立国際美術館、大阪。 金沢21世紀美術館。 名古屋市美術館。 東京の原美術館、現代美術館、国立近代美術館。 そして、千葉の川村記念美術館。